Edvard Munch (1863-1944) dès 1902.

  • Profession: Peintre.
  • Résidences: Oslo, Paris, Berlin.
  • Relation avec Mahler: voir Marina Fistoulari Mahler (1943).
  • Correspondance avec Mahler: Non.
  • Né: 12-12-1863 Adalsbruk, Norvège.
  • Décès: 23-01-1944 Ekely près d'Oslo (Christiania), Norvège. Âgé de 80 ans.
  • Inhumé: 00-00-0000 Vår Frelsers gravlund, Oslo, Norvège.

Edvard Munch était un peintre et graveur norvégien dont le traitement intensément évocateur des thèmes psychologiques s'appuyait sur certains des principaux principes du symbolisme de la fin du 19e siècle et a grandement influencé l'expressionnisme allemand au début du 20e siècle. L'une de ses œuvres les plus connues est The Scream of 1893.

Edvard Munch est né dans une ferme du village d'Ådalsbruk à Løten, en Norvège, de Laura Catherine Bjølstad et de Christian Munch, fils d'un prêtre. Christian était médecin et officier médical qui a épousé Laura, une femme de la moitié de son âge, en 1861. Edvard avait une sœur aînée, Johanne Sophie, et trois frères et sœurs plus jeunes: Peter Andreas, Laura Catherine et Inger Marie. Sophie et Edvard semblent avoir hérité de leur talent artistique de leur mère. Edvard Munch était lié au peintre Jacob Munch et à l'historien Peter Andreas Munch.

La famille a déménagé à Christiania (aujourd'hui Oslo) en 1864 lorsque Christian Munch a été nommé médecin-chef de la forteresse d'Akershus. La mère d'Edvard est morte de la tuberculose en 1868, tout comme la sœur préférée de Munch Johanne Sophie en 1877. Après la mort de leur mère, les frères et sœurs Munch ont été élevés par leur père et par leur tante Karen. Souvent malade pendant une grande partie des hivers et ne fréquentait pas l'école, Edvard dessinait pour rester occupé. Il a été encadré par ses camarades de classe et sa tante. Christian Munch a également enseigné à son fils l'histoire et la littérature et a diverti les enfants avec des histoires de fantômes vives et les contes de l'écrivain américain Edgar Allan Poe.

Comme Edvard s'en souvenait, le comportement positif de Christian envers ses enfants était éclipsé par son piétisme morbide. Munch a écrit: «Mon père était d'un tempérament nerveux et d'une religion obsessionnelle - jusqu'à la psychonévrose. De lui, j'ai hérité des graines de la folie. Les anges de la peur, du chagrin et de la mort se sont tenus à mes côtés depuis le jour de ma naissance. »Christian a réprimandé ses enfants en leur disant que leur mère regardait du ciel et pleurait leur mauvaise conduite. Le milieu religieux oppressif, ainsi que la mauvaise santé d'Edvard et les histoires de fantômes vives, ont contribué à inspirer ses visions macabres et ses cauchemars; le garçon sentait que la mort avançait constamment sur lui. L'une des plus jeunes sœurs de Munch a été diagnostiquée très jeune avec une maladie mentale. Des cinq frères et sœurs, seul Andreas s'est marié, mais il est mort quelques mois après le mariage. Munch écrira plus tard: «J'ai hérité de deux des ennemis les plus effrayants de l'humanité: l'héritage de la consommation et de la folie.

La solde militaire de Christian Munch était très faible et ses tentatives de développer une pratique du côté privé ont échoué, maintenant sa famille dans une pauvreté distinguée mais éternelle. Ils déménageaient fréquemment d'un appartement bon marché à un autre. Les premiers dessins et aquarelles de Munch représentaient ces intérieurs et les objets individuels, tels que des flacons de médicaments et des outils de dessin, ainsi que des paysages. À l'adolescence, l'art dominait les intérêts de Munch. À treize ans, Munch a eu sa première exposition à d'autres artistes à la nouvelle Art Association, où il admirait le travail de l'école norvégienne de paysage. Il est revenu pour copier les peintures, et bientôt il a commencé à peindre à l'huile.

Etudes et influences

En 1879, Munch s'inscrit dans une école technique pour étudier l'ingénierie, où il excelle en physique, chimie et mathématiques. Il apprend le dessin à l'échelle et en perspective, mais des maladies fréquentes interrompent ses études. L'année suivante, à la grande déception de son père, Munch quitta le collège déterminé à devenir peintre. Son père considérait l'art comme un «commerce impie» et ses voisins ont réagi amèrement et lui ont envoyé des lettres anonymes. Contrairement au piétisme enragé de son père, Munch a adopté une position non dogmatique envers l'art. Il a écrit son objectif dans son journal: «dans mon art, j'essaye de m'expliquer la vie et son sens».

En 1881, Munch s'inscrit à la Royal School of Art and Design de Christiania, dont l'un des fondateurs était son parent éloigné Jacob Munch. Ses professeurs étaient le sculpteur Julius Middelthun et le peintre naturaliste Christian Krohg. Cette année-là, Munch a démontré son absorption rapide de sa formation de figure à l'Académie dans ses premiers portraits, y compris l'un de son père et son premier autoportrait. En 1883, Munch participe à sa première exposition publique et partage un atelier avec d'autres étudiants. Son portrait en pied de Karl Jensen-Hjell, un bohème notoire de la ville, a valu la réponse dédaigneuse d'un critique: «C'est l'impressionnisme poussé à l'extrême. C'est une parodie de l'art. » Les peintures de nu de Munch de cette période ne survivent que dans des croquis, à l'exception de Standing Nude (1887). Ils peuvent avoir été confisqués par son père.

Au cours de ces premières années, Munch a expérimenté de nombreux styles, y compris le naturalisme et l'impressionnisme. Certains premiers travaux rappellent Manet. Beaucoup de ces tentatives lui ont valu des critiques défavorables de la presse et lui ont valu des reproches constants de la part de son père, qui lui a néanmoins fourni de petites sommes pour ses frais de subsistance. À un moment donné, cependant, le père de Munch, peut-être influencé par l'opinion négative du cousin de Munch, Edvard Diriks (un peintre traditionnel établi), a détruit au moins un tableau (probablement un nu) et a refusé d'avancer plus d'argent pour les fournitures d'art.

Munch a également reçu la colère de son père pour sa relation avec Hans Jæger, le nihiliste local qui vivait selon le code «une passion de détruire est aussi une passion créatrice» et qui prônait le suicide comme voie ultime vers la liberté. Munch est tombé sous son charme malveillant et anti-établissement. «Mes idées se sont développées sous l'influence des bohèmes ou plutôt sous Hans Jæger. Beaucoup de gens ont prétendu à tort que mes idées se sont formées sous l'influence de Strindberg et des Allemands… mais c'est faux. Ils avaient déjà été formés à ce moment-là. À cette époque, contrairement à beaucoup d'autres bohèmes, Munch était toujours respectueux des femmes, réservé et bien élevé, mais il a commencé à céder aux beuveries et aux bagarres de son cercle. Il était perturbé par la révolution sexuelle en cours à l'époque et par les femmes indépendantes autour de lui. Plus tard, il est devenu cynique concernant les questions sexuelles, exprimé non seulement dans son comportement et son art, mais aussi dans ses écrits, un exemple étant un long poème intitulé La Cité de l'Amour Libre. Toujours dépendant de sa famille pour beaucoup de ses repas, la relation de Munch avec son père est restée tendue en raison des inquiétudes concernant sa vie de bohème.

Après de nombreuses expériences, Munch a conclu que l'idiome impressionniste ne permettait pas une expression suffisante. Il a trouvé cela superficiel et trop proche de l'expérimentation scientifique. Il ressentait le besoin d'aller plus loin et d'explorer des situations débordantes de contenu émotionnel et d'énergie expressive. Sous le commandement de Jæger selon lequel Munch devrait «écrire sa vie», ce qui signifie que Munch devrait explorer son propre état émotionnel et psychologique, le jeune artiste a entamé une période de réflexion et d'auto-examen, enregistrant ses pensées dans le «journal de son âme». Cette perspective plus profonde l'a amené à adopter une nouvelle vision de son art. Il a écrit que sa peinture The Sick Child (1886), basée sur la mort de sa sœur, était sa première «peinture d'âme», sa première rupture avec l'impressionnisme. Le tableau a reçu une réponse négative de la part des critiques et de sa famille, et a provoqué une autre «explosion violente d'indignation morale» de la part de la communauté.

Seul son ami Christian Krohg l'a défendu:

Il peint, ou plutôt regarde, les choses d'une manière différente de celle des autres artistes. Il ne voit que l'essentiel, et c'est naturellement tout ce qu'il peint. Pour cette raison, les photos de Munch sont en règle générale «incomplètes», car les gens sont ravis de le découvrir par eux-mêmes. Oh, oui, ils sont complets. Son travail complet. L'art est complet une fois que l'artiste a vraiment dit tout ce qu'il pensait, et c'est précisément l'avantage que Munch a sur les peintres de l'autre génération, qu'il sait vraiment nous montrer ce qu'il a ressenti, et ce qui l'a saisi, et à cela il subordonne tout le reste.

Munch a continué à utiliser une variété de techniques de coups de pinceau et de palettes de couleurs tout au long des années 1880 et au début des années 1890, alors qu'il luttait pour définir son style. Son idiome a continué à osciller entre naturaliste, comme on le voit dans Portrait de Hans Jæger, et impressionniste, comme dans Rue Lafayette. Son Inger On the Beach (1889), qui a provoqué une autre tempête de confusion et de controverse, fait allusion aux formes simplifiées, aux contours lourds, aux contrastes nets et au contenu émotionnel de son style mature à venir. Il a commencé à calculer soigneusement ses compositions pour créer tension et émotion. Bien que stylistiquement influencé par les postimpressionnistes, ce qui a évolué était un sujet dont le contenu était symboliste, décrivant un état d'esprit plutôt qu'une réalité externe. En 1889, Munch a présenté sa première exposition personnelle de presque toutes ses œuvres à ce jour. La reconnaissance qu'il a reçue a conduit à une bourse d'État de deux ans pour étudier à Paris sous la direction du peintre français Léon Bonnat.

Paris

Munch arrive à Paris pendant les festivités de l'Exposition Universelle (1889) et partage avec deux collègues artistes norvégiens. Son tableau, Morning (1884), a été exposé au pavillon norvégien. Il passait ses matins dans l'atelier très fréquenté de Bonnat (qui comprenait des modèles féminins en direct) et ses après-midi à l'exposition, aux galeries et aux musées (où les étudiants devaient faire des copies pour apprendre la technique et l'observation). Munch a enregistré peu d'enthousiasme pour les leçons de dessin de Bonnat - «Cela me fatigue et m'ennuie - c'est engourdissant» - mais il a apprécié les commentaires du maître lors de voyages au musée.

Munch était fasciné par la vaste exposition de l'art européen moderne, y compris les œuvres de trois artistes qui allaient se révéler influents: Paul Gauguin, Vincent van Gogh et Henri de Toulouse-Lautrec - tous remarquables pour la façon dont ils utilisaient la couleur pour transmettre des émotions. Munch a été particulièrement inspiré par la «réaction contre le réalisme» de Gauguin et son credo selon lequel «l'art était une œuvre humaine et non une imitation de la nature», une croyance précédemment énoncée par Whistler. Comme l'un de ses amis berlinois l'a dit plus tard à propos de Munch, «il n'a pas besoin de se rendre à Tahiti pour voir et expérimenter le primitif dans la nature humaine. Il porte en lui son propre Tahiti.

En décembre, son père est décédé, laissant la famille de Munch sans ressources. Il est rentré chez lui et a obtenu un prêt important d'un riche collectionneur norvégien lorsque des parents riches n'ont pas aidé et a assumé la responsabilité financière de sa famille à partir de ce moment. La mort de Christian l'a déprimé et il a été tourmenté par des pensées suicidaires: «Je vis avec les morts - ma mère, ma sœur, mon grand-père, mon père… Tuez-vous et puis c'est fini. Pourquoi vivre? » Les peintures de Munch de l'année suivante comprenaient des scènes de taverne fragmentaires et une série de paysages urbains lumineux dans lesquels il expérimentait le style pointilliste de Georges Seurat.

Berlin

En 1892, Munch a formulé son esthétique synthétiste caractéristique et originale, comme on le voit dans Melancholy (1891), dans lequel la couleur est l'élément chargé de symboles. Considérée par l'artiste et journaliste Christian Krohg comme la première peinture symboliste d'un artiste norvégien, Melancholy a été exposée en 1891 à l'exposition d'automne à Oslo. En 1892, Adelsteen Normann, au nom de l'Union des artistes de Berlin, a invité Munch à exposer à son exposition de novembre, la première exposition personnelle de la société. Cependant, ses peintures ont suscité une controverse amère (surnommée «l'affaire Munch»), et après une semaine, l'exposition s'est fermée. Munch était satisfait de la «grande agitation» et a écrit dans une lettre: «Je n'ai jamais eu un moment aussi amusant - c'est incroyable que quelque chose d'aussi innocent que la peinture ait créé un tel émoi.»

À Berlin, Munch s'est impliqué dans un cercle international d'écrivains, d'artistes et de critiques, y compris le dramaturge suédois et intellectuel de premier plan August Strindberg, qu'il a peint en 1892. Au cours de ses quatre années à Berlin, Munch a esquissé la plupart des idées qui composent son œuvre majeure, La Frise de la Vie, d'abord conçue pour l'illustration de livres, mais exprimée plus tard dans des peintures. Il a peu vendu, mais a tiré un certain revenu en facturant des droits d'entrée pour voir ses peintures controversées. Déjà, Munch montrait une réticence à se séparer de ses peintures, qu'il appelait ses «enfants».

Ses autres peintures, y compris des scènes de casino, montrent une simplification de la forme et des détails qui a marqué son style précoce. Munch a également commencé à privilégier un espace pictural peu profond et une toile de fond minimale pour ses figures frontales. Puisque les poses ont été choisies pour produire les images les plus convaincantes des états d'esprit et des conditions psychologiques, comme dans Ashes, les personnages confèrent une qualité monumentale et statique. Les personnages de Munch semblent jouer des rôles sur une scène de théâtre (Death in the Sick-Room), dont la pantomime de postures fixes signifie diverses émotions; puisque chaque personnage incarne une seule dimension psychologique, comme dans The Scream, les hommes et les femmes de Munch ont commencé à apparaître plus symboliques que réalistes. Il a écrit: «Les intérieurs ne devraient plus être peints, les gens lisant et les femmes tricotant: il y aurait des gens vivants, respirant et sentant, souffrant et aimant.»

Le cri (1893)

Le Cri existe en quatre versions: deux pastels (1893 et ​​1895) et deux tableaux (1893 et ​​1910). Il existe également plusieurs lithographies de The Scream (1895 et plus tard). Le pastel de 1895 vendu aux enchères le 2 mai 2012 pour 119,922,500 1893 1994 $ US, commission comprise. C'est la plus colorée des versions et se distingue par la position tournée vers le bas de l'une de ses figures d'arrière-plan. C'est aussi la seule version non conservée par un musée norvégien. La version de 1910 a été volée à la National Gallery d'Oslo en 2004 et récupérée. Le tableau de 2006 a été volé en XNUMX au musée Munch à Oslo, mais récupéré en XNUMX avec des dommages limités.

The Scream est l'œuvre la plus célèbre de Munch et l'une des peintures les plus reconnaissables de tout art. Il a été largement interprété comme représentant l'angoisse universelle de l'homme moderne. Peint de larges bandes de couleurs criardes et de formes très simplifiées, et employant un point de vue élevé, il réduit la figure angoissée à un crâne habillé en proie à une crise émotionnelle.

1893.  Edvard Munch (1863-1944). Le cri.

Avec cette peinture, Munch a atteint son objectif déclaré: «l'étude de l'âme, c'est-à-dire l'étude de moi-même». Munch a raconté comment la peinture est née: «Je marchais sur la route avec deux amis quand le soleil se couchait; soudain, le ciel est devenu rouge comme du sang. Je m'arrêtai et m'appuyai contre la clôture, me sentant indiciblement fatigué. Des langues de feu et de sang s'étiraient sur le fjord noir bleuâtre. Mes amis ont continué à marcher, tandis que j'étais à la traîne, tremblant de peur. Puis j'ai entendu le cri énorme et infini de la nature. Plus tard, il a décrit l'angoisse personnelle derrière la peinture, «pendant plusieurs années, j'étais presque en colère… Vous connaissez ma photo, 'Le cri?' J'étais poussé à l'extrême - la nature criait dans mon sang… Après cela, j'ai abandonné l'espoir de pouvoir aimer à nouveau.

En résumant les effets de la peinture, l'auteur Martha Tedeschi a déclaré: «Whistler's Mother, Wood's American Gothic, Mona Lisa de Leonardo da Vinci et The Scream d'Edvard Munch ont tous réalisé quelque chose qui plait à la plupart des peintures, quelle que soit leur importance historique, leur beauté ou leur argent. valeur - n'ont pas: ils communiquent une signification spécifique presque immédiatement à presque chaque spectateur. Ces quelques œuvres ont réussi à passer du royaume d'élite du visiteur du musée à l'énorme lieu de la culture populaire.

Frise de vie - Un poème sur la vie, l'amour et la mort

En décembre 1893, Unter den Linden à Berlin était le lieu d'une exposition du travail de Munch, montrant, entre autres pièces, six peintures intitulées Study for a Series: Love. Cela a commencé un cycle qu'il a appelé plus tard la Frise de la vie - Un poème sur la vie, l'amour et la mort. Les motifs «Frise de la vie», tels que The Storm et Moonlight, sont imprégnés d'ambiance. D'autres motifs illuminent le côté nocturne de l'amour, comme Rose et Amélie et Vampire. Dans Death in the Sickroom, le sujet est la mort de sa sœur Sophie, qu'il retravaille dans de nombreuses variantes futures. L'accent dramatique de la peinture, représentant toute sa famille, est dispersé dans les figures séparées et déconnectées de la douleur. En 1894, il élargit le spectre des motifs en ajoutant Anxiété, Cendres, Vierge et Femmes en trois étapes (de l'innocence à la vieillesse).

Vers le début du 20e siècle, Munch a travaillé pour terminer la «Frise». Il a peint un certain nombre de tableaux, plusieurs d'entre eux en plus grand format et présentant dans une certaine mesure l'esthétique Art Nouveau de l'époque. Il a réalisé un cadre en bois avec des reliefs sculptés pour le grand tableau Métabolisme (1898), initialement appelé Adam et Eve. Cet ouvrage révèle la préoccupation de Munch pour la «chute de l'homme» et sa philosophie pessimiste de l'amour. Des motifs tels que The Empty Cross et Golgotha ​​(tous deux vers 1900) reflètent une orientation métaphysique et reflètent également l'éducation piétiste de Munch. L'ensemble de la frise a été montré pour la première fois lors de l'exposition sécessionniste de Berlin en 1902.

Les thèmes de «La frise de la vie» reviennent tout au long de l'œuvre de Munch, mais il se concentre particulièrement sur eux au milieu des années 1890. Dans des croquis, des peintures, des pastels et des estampes, il a puisé au fond de ses sentiments pour examiner ses motifs majeurs: les étapes de la vie, la femme fatale, le désespoir de l'amour, l'anxiété, l'infidélité, la jalousie, l'humiliation sexuelle et la séparation dans la vie et mort. Ces thèmes sont exprimés dans des peintures telles que The Sick Child (1885), Love and Pain (rebaptisé Vampire; 1893-94), Ashes (1894) et The Bridge. Ce dernier montre des silhouettes molles aux visages sans relief ou cachés, sur lesquels se dessinent les formes menaçantes d'arbres lourds et de maisons maussades. Munch a dépeint les femmes soit comme des souffrantes frêles et innocentes (voir Puberté et amour et douleur), soit comme la cause d'un grand désir, de la jalousie et du désespoir (voir Séparation, jalousie et cendres).

Munch utilise souvent des ombres et des anneaux de couleur autour de ses personnages pour souligner une aura de peur, de menace, d'anxiété ou d'intensité sexuelle. Ces peintures ont été interprétées comme des reflets des angoisses sexuelles de l'artiste, même si l'on pourrait également affirmer qu'elles représentent sa relation turbulente avec l'amour lui-même et son pessimisme général à l'égard de l'existence humaine. Beaucoup de ces croquis et peintures ont été réalisés en plusieurs versions, telles que Madonna, Hands and Puberty, et également transcrits sous forme d'estampes et de lithographies sur bois. Munch détestait se séparer de ses peintures car il considérait son travail comme un seul corps d'expression.

Alors pour capitaliser sur sa production et gagner quelques revenus, il s'est tourné vers les arts graphiques pour reproduire nombre de ses toiles les plus célèbres, dont celles de cette série. Munch a admis les objectifs personnels de son travail mais il a également proposé son art dans un but plus large: «Mon art est vraiment une confession volontaire et une tentative de m'expliquer ma relation à la vie - c'est donc en fait une sorte d'égoïsme , mais j'espère constamment que grâce à cela, je pourrai aider les autres à atteindre la clarté.

Tout en attirant des réactions fortement négatives, dans les années 1890, Munch commença à recevoir une certaine compréhension de ses objectifs artistiques, comme l'écrit un critique: «Avec un mépris impitoyable pour la forme, la clarté, l'élégance, l'intégralité et le réalisme, il peint avec une force intuitive de talent le plus visions subtiles de l'âme. L'un de ses grands partisans à Berlin était Walther Rathenau, plus tard le ministre allemand des Affaires étrangères, qui a fortement contribué à son succès.

Paris, Berlin et Christiania

En 1896, Munch s'installe à Paris, où il se concentre sur les représentations graphiques de ses thèmes «Frise de la vie». Il a développé sa technique de gravure sur bois et lithographique. L'autoportrait de Munch au bras squelette (1895) est réalisé avec une méthode de gravure à l'aiguille et à l'encre également utilisée par Paul Klee. Munch produit également des versions multicolores de «The Sick Child» qui se vendent bien, ainsi que plusieurs nus et plusieurs versions de Kiss (1892). Beaucoup de critiques parisiens considèrent encore l'œuvre de Munch comme «violente et brutale», mais ses expositions reçoivent une attention sérieuse et une bonne fréquentation. Sa situation financière s'améliora considérablement et en 1897, Munch s'acheta une résidence d'été face aux fjords de Christiania, petite cabane de pêcheur construite à la fin du XVIIIe siècle, dans la petite ville d'Åsgårdstrand en Norvège. Il a surnommé cette maison la «Happy House» et y est revenu presque tous les étés pendant les 18 années suivantes. C'était cet endroit qui lui manquait quand il était à l'étranger et pendant les périodes où il se sentait déprimé et épuisé. «Se promener à Åsgårdstrand, c'est comme marcher parmi mes tableaux - je suis tellement inspiré de peindre quand je suis ici».

En 1897, Munch retourna à Christiania, où il reçut également une acceptation réticente - un critique écrivit: «Un bon nombre de ces images ont déjà été exposées. À mon avis, cela améliore la connaissance. En 1899, Munch a commencé une relation intime avec Tulla Larsen, une femme de la classe supérieure «libérée». Ils ont voyagé en Italie ensemble et à leur retour, Munch a commencé une autre période fertile dans son art, qui comprenait des paysages et sa peinture finale dans la série «La frise de la vie», La danse de la vie (1899). Larsen était impatient de se marier et Munch a supplié.

Sa consommation d'alcool et sa mauvaise santé renforçaient ses craintes, comme il l'écrivait à la troisième personne: «Depuis qu'il était enfant, il détestait le mariage. Son foyer malade et nerveux lui avait donné le sentiment qu'il n'avait pas le droit de se marier. Munch a failli céder à Tulla, mais s'est enfuie d'elle en 1900, se détournant également de sa fortune considérable, et a déménagé à Berlin. Ses Girls on the Jetty, créées en dix-huit versions différentes, ont démontré le thème de la jeunesse féminine sans connotations négatives. En 1902, il expose ses œuvres de manière thématique dans la salle de la Sécession de Berlin, produisant «un effet symphonique - cela a fait grand bruit - beaucoup d'antagonisme - et beaucoup d'approbation.» Les critiques berlinois commençaient à apprécier le travail de Munch même si le public trouvait toujours son travail étranger et étrange.

1902-1903. Edvard Munch (1863-1944). Nuit d'été sur la plage. Voir Marina Fistoulari Mahler (1943).

La bonne couverture de presse a attiré Munch l'attention des mécènes influents Albert Kollman et Max Linde. Il a décrit la tournure des événements dans son journal: «Après vingt ans de lutte et de misère, les forces du bien viennent enfin à mon aide en Allemagne - et une porte lumineuse s'ouvre pour moi. Cependant, malgré ce changement positif, le comportement autodestructeur et erratique de Munch l'a impliqué d'abord avec une violente querelle avec un autre artiste, puis avec une fusillade accidentelle en présence de Tulla Larsen, qui était revenue pour une brève réconciliation, qui a blessé deux de ses des doigts. Elle l'a finalement quitté et a épousé un jeune collègue de Munch. Munch a pris cela comme une trahison, et il a insisté sur l'humiliation pendant un certain temps, canalisant une partie de l'amertume dans de nouvelles peintures. Ses peintures Still Life (The Murderess) et The Death of Marat I, réalisées en 1906-1907, font clairement référence à l'incident de la fusillade et aux séquelles émotionnelles.

En 1903-1904, Munch expose à Paris où les fauves à venir, célèbres pour leurs couleurs hardiment fausses, ont probablement vu ses œuvres et y ont peut-être trouvé l'inspiration. Lorsque les Fauves ont organisé leur propre exposition en 1906, Munch a été invité et a exposé ses œuvres avec les leurs. Après avoir étudié la sculpture de Rodin, Munch a peut-être expérimenté la pâte à modeler comme aide au design, mais il a produit peu de sculpture. Pendant ce temps, Munch a reçu de nombreuses commandes de portraits et d'estampes, ce qui a amélioré sa situation financière habituellement précaire. En 1906, il peint l'écran d'une pièce d'Ibsen dans le petit théâtre Kammerspiele du Deutsches Theater de Berlin, dans lequel la Frise de la vie a été accrochée. Le directeur du théâtre Max Reinhardt l'a vendu plus tard; il se trouve maintenant à la Nationalgalerie de Berlin. Après une période antérieure de paysages, en 1907, il se tourne à nouveau vers les figures et les situations humaines.

1907.  Edvard Munch (1863-1944). L'enfant malade.

Panne et récupération

À l'automne 1908, l'anxiété de Munch, aggravée par une consommation excessive d'alcool et des bagarres, était devenue aiguë. Comme il l'écrivait plus tard, «ma condition était au bord de la folie - c'était le toucher et aller. Soumis à des hallucinations et à des sentiments de persécution, il est entré dans la clinique du Dr Daniel Jacobson. La thérapie que Munch a reçue pendant les huit mois suivants comprenait un régime et une «électrification» (un traitement alors en vogue pour les troubles nerveux, à ne pas confondre avec l'électroconvulsivothérapie). Le séjour de Munch à l'hôpital a stabilisé sa personnalité et, après son retour en Norvège en 1909, son travail est devenu plus coloré et moins pessimiste. Éclairant davantage son humeur, le grand public de Christiania s'est finalement réchauffé à son travail et les musées ont commencé à acheter ses peintures. Il a été fait chevalier de l'Ordre royal de Saint-Olav «pour services dans l'art». Sa première exposition américaine a eu lieu en 1912 à New York.

1912.  Edvard Munch (1863-1944).

Dans le cadre de son rétablissement, le Dr Jacobson a conseillé à Munch de ne socialiser qu'avec de bons amis et d'éviter de boire en public. Munch a suivi ce conseil et, ce faisant, a produit plusieurs portraits en pied de haute qualité d'amis et de clients - des représentations honnêtes et dépourvues de flatterie. Il a également créé des paysages et des scènes de personnes au travail et au jeu, en utilisant un nouveau style optimiste - de larges coups de pinceau lâches de couleurs vives avec une utilisation fréquente des espaces blancs et une utilisation rare du noir - avec seulement des références occasionnelles à ses thèmes morbides. Avec plus de revenus, Munch a pu acheter plusieurs propriétés lui donnant de nouvelles perspectives pour son art et il a finalement pu subvenir aux besoins de sa famille.

Le déclenchement de la Première Guerre mondiale a trouvé Munch avec des loyautés partagées, comme il l'a déclaré: «Tous mes amis sont allemands, mais c'est la France que j'aime.» Dans les années 1930, ses mécènes allemands, de nombreux juifs, ont perdu leur fortune et certains leur vie lors de la montée du mouvement nazi. Munch a trouvé des imprimeurs norvégiens pour remplacer les Allemands qui avaient imprimé son travail graphique. Compte tenu de ses antécédents de santé médiocres, en 1918, Munch se sentit chanceux d'avoir survécu à un épisode de grippe espagnole, la pandémie mondiale de cette année-là.

Des années plus tard

Munch a passé la plupart de ses deux dernières décennies dans la solitude dans son domaine presque autosuffisant à Ekely, à Skøyen, à Oslo. Plusieurs de ses derniers tableaux célèbrent la vie à la ferme, dont plusieurs dans lesquels il a utilisé son cheval de travail «Rousseau» comme modèle. Sans aucun effort, Munch a attiré un flux constant de modèles féminins, qu'il a peints comme sujets de nombreuses peintures de nus. Il a probablement eu des relations sexuelles avec certains d'entre eux. Munch quittait parfois sa maison pour peindre des peintures murales sur commande, y compris celles réalisées pour la chocolaterie Freia.

Jusqu'à la fin de sa vie, Munch a continué à peindre des autoportraits sans faille, ajoutant à son cycle d'auto-recherche de sa vie et à sa série inébranlable de prises sur ses états émotionnels et physiques. Dans les années 1930 et 1940, les nazis qualifièrent l'œuvre de Munch d '«art dégénéré» (avec celle de Picasso, Paul Klee, Matisse, Gauguin et de nombreux autres artistes modernes) et retirèrent ses 82 œuvres des musées allemands. Adolf Hitler annonça en 1937: «Pour tout ce qui nous importe, ces barbares et bégayeurs de la culture préhistorique de l'âge de pierre peuvent retourner dans les grottes de leurs ancêtres et y appliquer leur gratte internationale primitive.

Edvard Munch (1863-1944).

En 1940, les Allemands ont envahi la Norvège et le parti nazi a repris le gouvernement. Munch avait 76 ans. Avec presque une collection entière de son art au deuxième étage de sa maison, Munch vivait dans la peur d'une confiscation nazie. Soixante et onze des peintures précédemment prises par les nazis avaient été renvoyées en Norvège par achat par des collectionneurs (les onze autres n'ont jamais été retrouvées), y compris The Scream et The Sick Child, et elles aussi étaient cachées aux nazis.

Munch mourut dans sa maison d'Ekely près d'Oslo le 23 janvier 1944, environ un mois après son 80e anniversaire. Ses obsèques orchestrées par les nazis suggéra aux Norvégiens qu'il était un sympathisant nazi, une sorte d'appropriation de l'artiste indépendant. La ville d'Oslo a acheté le domaine Ekely aux héritiers de Munch en 1946; sa maison a été démolie en mai 1960. 

Grands travaux

  • 1892: Soirée sur Karl Johan.
  • 1893: Le cri.
  • 1894: Cendres.
  • 1894-1895: Madonna.
  • 1895: Puberté.
  • 1895: Autoportrait à la cigarette allumée.
  • 1895: Mort dans la salle de repos.
  • 1899–1900: La danse de la vie.
  • 1899–1900: La mère morte.
  • 1903: Village au clair de lune.
  • 1940-1942: Autoportrait: entre l'horloge et le lit.

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