Léonard Bernstein (1918-1990)

Léonard Bernstein (1918-1990).

Profession: Chef d'orchestre, pianiste, compositeur.
Relation avec Mahler: Débuts à Amsterdam en 1950. Il revient à Amsterdam en 1978 avec deux programmes Beethoven puis en 1985 et 1987 avec (entre autres œuvres) une série de symphonies de Mahler.
Correspondance avec Mahler: Non.
Né: 25-08-1918 Lawrence, Massachusetts, Amérique.
Décédé: 14-10-1990 New York, Amérique. 72 ans.
Inhumé: 16-10-1990 Cimetière de Green-Wood, Brooklyn, New York. Section H. À côté de sa femme et avec une copie du cinquième de Mahler couché sur son cœur. Funérailles privées.

Leonard Bernstein était un compositeur, chef d'orchestre, auteur, professeur de musique et pianiste américain. Il a été parmi les premiers chefs d'orchestre nés et éduqués aux États-Unis à recevoir une renommée mondiale. Selon le critique musical Donal Henahan, il était «l'un des musiciens les plus prodigieusement talentueux et les plus réussis de l'histoire américaine».

Sa renommée dérive de son long mandat en tant que directeur musical de l'Orchestre philharmonique de New York, de sa direction de concerts avec la plupart des grands orchestres du monde et de sa musique pour West Side Story, Peter Pan, Candide, Wonderful Town, On the Town , On the Waterfront, sa messe et une gamme d'autres compositions, y compris trois symphonies et de nombreuses œuvres de chambre et solo plus courtes.

Bernstein a été le premier chef d'orchestre à donner de nombreuses conférences télévisées sur la musique classique, à partir de 1954 et jusqu'à sa mort. C'était un pianiste de talent, dirigeant souvent des concertos pour piano à partir du clavier.

En tant que compositeur, il a écrit dans de nombreux styles englobant la musique symphonique et orchestrale, le ballet, la musique de film et de théâtre, les œuvres chorales, l'opéra, la musique de chambre et les pièces pour piano. Beaucoup de ses œuvres sont régulièrement jouées à travers le monde, bien qu'aucune n'ait égalé le formidable succès populaire et critique de West Side Story.

Jeunesse

Il est né Louis Bernstein à Lawrence, Massachusetts, fils de parents juifs ukrainiens Jennie (née Resnick) et Samuel Joseph Bernstein, grossiste en fournitures de coiffure originaire de Rovno (aujourd'hui Ukraine) .Il n'était pas lié au compositeur de films Elmer Bernstein, mais les deux hommes étaient amis et partageaient même une certaine similitude physique: dans le monde de la musique professionnelle, ils se distinguaient l'un de l'autre par l'utilisation des surnoms Bernstein West (Elmer) et Bernstein East (Leonard).

Sa famille a passé ses étés dans leur maison de vacances à Sharon, Massachusetts. Sa grand-mère a insisté pour que son prénom soit Louis, mais ses parents l'appelaient toujours Leonard, ce qu'ils préféraient. Il a officiellement changé son nom pour Leonard quand il avait quinze ans, peu de temps après la mort de sa grand-mère. Pour ses amis et bien d'autres, il était simplement connu sous le nom de «Lenny».

Son père, Sam Bernstein, était un homme d'affaires et propriétaire d'un magasin de produits capillaires au centre-ville de Lawrence; il se trouve aujourd'hui aux coins des rues Amesbury et Essex. Sam s'est d'abord opposé à l'intérêt du jeune Leonard pour la musique. Malgré cela, l'aîné Bernstein l'a emmené à des concerts d'orchestre à l'adolescence et a finalement soutenu son éducation musicale. À un très jeune âge, Bernstein a écouté un spectacle de piano et a été immédiatement captivé; il a par la suite commencé à apprendre sérieusement le piano lorsque la famille a acquis le piano indésirable de sa cousine Lillian Goldman.

Enfant, Bernstein a fréquenté la Garrison Grammar School et la Boston Latin School. Enfant, il était très proche de sa jeune sœur Shirley et jouait souvent des opéras entiers ou des symphonies de Beethoven avec elle au piano. Il a eu une variété de professeurs de piano dans sa jeunesse, y compris Helen Coates, qui est devenue plus tard sa secrétaire.

Après avoir obtenu son diplôme de la Boston Latin School en 1935, Bernstein a fréquenté l'Université Harvard, où il a étudié la musique avec, entre autres, Edward Burlingame Hill et Walter Piston. Bien qu'il se soit spécialisé en musique avec une thèse de dernière année (1939) intitulée «The Absorption of Race Elements into American Music» (reproduit dans son livre Findings), la principale influence intellectuelle de Bernstein à Harvard était probablement le professeur d'esthétique David Prall, dont la perspective multidisciplinaire sur les arts que Bernstein partagea pour le reste de sa vie. Un de ses amis à Harvard était le philosophe Donald Davidson, avec qui il jouait du piano à quatre mains.

Bernstein a écrit et dirigé la partition musicale de la production Davidson montée de la pièce d'Aristophane Les Oiseaux en grec original. Bernstein a réutilisé une partie de cette musique dans le ballet Fancy Free. Pendant son séjour à Harvard, il fut brièvement accompagnateur pour le Harvard Glee Club. Bernstein monta également une production étudiante de The Cradle Will Rock, dirigeant son action depuis le piano comme l'avait fait le compositeur Marc Blitzstein lors de la première. Blitzstein, qui a entendu parler de la production, est ensuite devenu un ami et une influence (à la fois musicalement et politiquement) sur Bernstein.

Bernstein a également rencontré le chef d'orchestre Dimitri Mitropoulos à l'époque. Bien qu'il n'ait jamais enseigné à Bernstein, le charisme et le pouvoir de Mitropoulos en tant que musicien ont eu une influence majeure sur la décision finale de Bernstein de se mettre à la direction d'orchestre. Mitropoulos n'était pas stylistiquement semblable à Bernstein, mais il a probablement influencé certaines des habitudes ultérieures de Bernstein telles que sa direction au clavier, sa pratique initiale de diriger sans bâton et peut-être son intérêt pour Mahler. L'autre influence importante que Bernstein rencontra pour la première fois au cours de ses années à Harvard fut le compositeur Aaron Copland, qu'il rencontra lors d'un concert puis lors d'une fête après l'anniversaire de Copland en 1938.

À la fête, Bernstein a joué les Variations pour piano de Copland, une œuvre épineuse que Bernstein aimait sans rien savoir de son compositeur jusqu'à ce soir. Bien qu'il ne fût pas formellement l'élève de Copland en tant que tel, Bernstein demandait régulièrement des conseils à Copland dans les années suivantes sur ses propres compositions et le citait souvent comme «son seul vrai professeur de composition».

Après avoir terminé ses études à Harvard en 1939 (avec un BA cum laude), il s'inscrit au Curtis Institute of Music de Philadelphie. Pendant son séjour à Curtis, Bernstein a étudié la direction d'orchestre avec Fritz Reiner (qui, de façon anecdotique, aurait donné à Bernstein la seule «note A» qu'il ait jamais décernée), le piano avec Isabelle Vengerova, l'orchestration avec Randall Thompson, le contrepoint avec Richard Stöhr et la lecture de partitions Contrairement à ses années à Harvard, Bernstein ne semble pas avoir beaucoup apprécié l'environnement de formation formel de Curtis, bien que souvent dans sa vie plus tard, il mentionnât Reiner lors de discussions sur des mentors importants.

1940-1950

Après avoir quitté Curtis, Bernstein a vécu à New York. Il partageait un appartement avec son ami Adolph Green et accompagnait souvent Green, Betty Comden et Judy Holliday dans une troupe de comédie appelée The Revuers qui se produisait à Greenwich Village. Il a pris des emplois chez un éditeur de musique, transcrivant de la musique ou produisant des arrangements sous le pseudonyme de Lenny Amber. (Bernstein en allemand = Ambre en anglais.) Pendant cette période à New York, Bernstein a connu une vie sociale exubérante qui comprenait des relations avec les hommes et les femmes. En 1940, Bernstein a commencé ses études à l'institut d'été de l'Orchestre symphonique de Boston, Tanglewood, dans la classe de direction du chef d'orchestre, Serge Koussevitzky.

Les amitiés de Bernstein avec Copland (qui était très proche de Koussevitsky) et Mitropoulos étaient importantes pour lui être recommandé pour une place dans la classe. Parmi les autres élèves de la classe figuraient Lukas Foss, qui est également devenu un ami de toujours. Koussevitsky n'a peut-être pas enseigné à Bernstein beaucoup de techniques de conduite de base (qu'il avait déjà développées sous Reiner) mais est plutôt devenu une sorte de figure paternelle pour lui et a peut-être eu une influence majeure sur la manière émotionnelle de Bernstein d'interpréter la musique. Bernstein devint plus tard l'assistant de direction de Koussevitzky et lui dédiera plus tard sa Symphonie n ° 2, The Age of Anxiety.

Le 14 novembre 1943, ayant récemment été nommé chef assistant d'Artur Rodzinski de l'Orchestre philharmonique de New York, il fait ses débuts de chef d'orchestre soudainement - et sans aucune répétition - après que le chef invité Bruno Walter est tombé avec la grippe. Le lendemain, le New York Times a publié l'histoire en première page et leur éditorial a fait remarquer: «C'est une bonne histoire à succès américaine. Le triomphe chaleureux et amical de celui-ci a rempli Carnegie Hall et s'est répandu loin dans les ondes. »Il est devenu instantanément célèbre parce que le concert était diffusé à l'échelle nationale, et a ensuite commencé à apparaître en tant que chef invité avec de nombreux orchestres américains.

Le programme comprenait des œuvres de Schumann, Miklos Rozsa, Wagner et Don Quichotte de Richard Strauss avec le soliste Joseph Schuster, violoncelliste soliste de l'orchestre. Avant le concert, Bernstein s'est brièvement entretenu avec Bruno Walter, qui a évoqué des difficultés particulières dans les œuvres qu'il devait interpréter. Il est possible d'entendre ce concert (en dehors de l'œuvre de Wagner) sur un enregistrement de l'émission radiophonique CBS qui a été diffusé sur CD par l'orchestre.

De 1945 à 1947, Bernstein était le directeur musical du New York City Symphony Orchestra, qui avait été fondé l'année précédente par le chef d'orchestre Leopold Stokowski. L'orchestre (avec le soutien du maire) s'adressait à un public différent avec des programmes plus modernes et des billets moins chers que le New York Philharmonic.

Toujours en ce qui concerne un public différent, en 1945, Bernstein discuta de la possibilité de jouer dans un film avec Greta Garbo - jouant Tchaïkovski en face de son rôle principal en tant que patronne du compositeur Nadezhda von Meck.

En plus de se faire connaître comme chef d'orchestre, Bernstein a également émergé en tant que compositeur à la même période. En janvier 1944, il dirigea la première de sa Symphonie de Jérémie à Pittsburgh. Sa partition du ballet Fancy Free chorégraphié par Jerome Robbins a ouvert ses portes à New York en avril 1944 et a ensuite été développée pour devenir la comédie musicale On the Town avec des paroles de Comden and Green qui a ouvert ses portes à Broadway en décembre 1944.

Après la Seconde Guerre mondiale, la carrière de Bernstein sur la scène internationale a commencé à s'épanouir. En 1946, il fait ses débuts à l'étranger avec l'Orchestre philharmonique tchèque de Prague. Il a également enregistré le Concerto pour piano en sol de Ravel en tant que soliste et chef d'orchestre avec l'Orchestre Philharmonia. Le 4 juillet 1946, Bernstein dirige la première européenne de Fancy Free avec le Ballet Theatre au Royal Opera House de Londres. En 1946, il dirige l'opéra pour la première fois, avec la première américaine à Tanglewood de Peter Grimes de Benjamin Britten, qui avait été une commande de Koussevitzky. La même année, Arturo Toscanini a invité Bernstein à diriger deux concerts avec le NBC Symphony Orchestra, dont l'un présentait à nouveau Bernstein comme soliste dans le concerto de Ravel.

En 1947, Bernstein a dirigé à Tel Aviv pour la première fois, commençant une association de toute une vie avec Israël. L'année suivante, il dirigea un concert en plein air pour les troupes à Beersheba au milieu du désert pendant la guerre israélo-arabe. En 1957, il dirige le concert inaugural de l'Auditorium Mann à Tel Aviv; il y fit par la suite de nombreux enregistrements. En 1967, il a dirigé un concert sur le mont. Scopus pour commémorer la réunification de Jérusalem. Dans les années 1970, Bernstein enregistre ses symphonies et autres œuvres avec l'Orchestre philharmonique d'Israël pour Deutsche Grammophon.

En 1949, il dirige la première mondiale de la Turangalîla-Symphonie d'Olivier Messiaen, avec le Boston Symphony Orchestra. Une partie de la répétition du concert est sortie sur CD par l'orchestre. Lorsque Koussevitzky mourut deux ans plus tard, Bernstein devint chef des départements d'orchestre et de direction de Tanglewood, occupant ce poste pendant de nombreuses années.

1951-1959

lutte et un engagement tumultueux, il a épousé l'actrice américaine d'origine chilienne Felicia Cohn Montealegre le 10 septembre 1951. Une suggestion est qu'il a choisi de se marier en partie pour dissiper les rumeurs sur sa vie privée et aider à obtenir un grand rendez-vous de direction, suivant les conseils de son mentor Dimitri Mitropoulos sur la nature conservatrice des conseils d'orchestre.Dans un livre paru en octobre 2013, The Leonard Bernstein Letters, sa femme révèle son homosexualité. Felicia écrit: «vous êtes homosexuel et ne changerez peut-être jamais - vous n'admettez pas la possibilité d'une double vie, mais si votre tranquillité d'esprit, votre santé, tout votre système nerveux dépendent d'un certain schéma sexuel, que pouvez-vous faire ? » Arthur Laurents (collaborateur de Bernstein dans West Side Story) a déclaré que Bernstein était «un homme gay qui s'est marié. Il n'était pas du tout en conflit à ce sujet.

Il était juste gay. Shirley Rhoades Perle, une autre amie de Bernstein, a déclaré qu'elle pensait «qu'il avait besoin d'hommes sexuellement et de femmes émotionnellement». Mais les premières années de son mariage semblent avoir été heureuses, et personne n'a suggéré que Bernstein et sa femme ne s'aimaient pas. Ils ont eu trois enfants, Jamie, Alexander et plus tard Nina. Il y a des rapports, cependant, que Bernstein a parfois eu de brèves liaisons extraconjugales avec de jeunes hommes, ce que plusieurs amis de la famille ont dit que sa femme connaissait.

En 1951, Bernstein dirige l'Orchestre philharmonique de New York lors de la première mondiale de la Symphonie n ° 2 de Charles Ives, écrite environ un demi-siècle plus tôt mais qui n'a jamais été jouée. Tout au long de sa carrière, Bernstein a souvent parlé de la musique d'Ives, décédé en 1954. Le compositeur, vieux et frêle, n'a pas pu (certains rapports disent ne pas vouloir) assister au concert, mais sa femme l'a fait. Il en aurait écouté une émission radiophonique sur une radio dans sa cuisine quelques jours plus tard. Un enregistrement de la «première» est sorti dans un coffret de 10 CD Bernstein LIVE par l'orchestre, mais les notes indiquent que c'était une répétition de trois jours plus tard, et c'est peut-être ce qu'Ives a entendu. Dans tous les cas, les rapports diffèrent également sur la réaction exacte d'Ives, mais certains suggèrent qu'il était ravi et a dansé un peu de gigue. Bernstein a enregistré la 2e symphonie avec l'orchestre en 1958 pour Columbia et 1987 pour Deutsche Grammophon. Une représentation de 1987 avec l'Orchestre symphonique de la radio bavaroise est également disponible sur DVD.

Bernstein a été professeur de musique invité de 1951 à 1956 à l'Université Brandeis, et il a fondé le Creative Arts Festival là-bas en 1952. Il a dirigé diverses productions au premier festival, y compris la création de son opéra Trouble in Tahiti et la version anglaise de Blitzstein de Kurt Weill Opéra de Threepenny. Le festival a été nommé d'après lui en 2005, devenant le Festival Leonard Bernstein des arts créatifs. En 1953, il fut le premier chef américain à se produire à La Scala de Milan, dirigeant Maria Callas dans Medea de Cherubini. Cet opéra avait été pratiquement abandonné dans les archives des performances et les deux l'ont appris en une semaine. C'était pour prouver une collaboration unique et Callas et Bernstein ont continué à se produire ensemble plusieurs fois - il a trouvé sa portée vocale et ses pouvoirs dramatiques d'interprétation inspirants; ils ont développé une relation musicale très étroite qui a enrichi leurs deux carrières. Cette même année, il produit sa partition pour la comédie musicale Wonderful Town à très court préavis, travaillant à nouveau avec ses vieux amis Comden et Green, qui ont écrit les paroles.

En 1954, Bernstein fit la première de ses conférences télévisées pour le programme d'arts CBS Omnibus. La conférence en direct, intitulée «La Cinquième Symphonie de Beethoven», impliquait Bernstein expliquant le travail avec l'aide de musiciens de l'ancien NBC Symphony Orchestra (récemment rebaptisé «Symphony of the Air») et une page géante de la partition couvrant le sol. Bernstein a ensuite donné des concerts avec l'orchestre et enregistré sa Sérénade pour violon avec Isaac Stern. D'autres conférences Omnibus ont suivi de 1955 à 1958 (plus tard sur ABC puis NBC) couvrant le jazz, la direction, la comédie musicale américaine, la musique moderne, JS Bach et le grand opéra. Ces programmes ont été mis à disposition aux États-Unis dans un ensemble de DVD en 2010.

À la fin de 1956, Bernstein dirigea le New York Philharmonic lors de concerts qui devaient être dirigés par Guido Cantelli, décédé dans un accident d'avion à Paris. C'était la première fois que Bernstein dirigeait l'orchestre dans des concerts d'abonnement depuis 1951. En partie à cause de ces apparitions, Bernstein a été nommé directeur musical du New York Philharmonic en 1957, en remplacement de Dimitri Mitropoulos. Il a commencé son mandat à ce poste en 1958, après avoir occupé le poste conjointement avec Mitropoulos de 1957 à 1958. En 1958, Bernstein et Mitropoulos ont emmené le New York Philharmonic en tournée en Amérique du Sud.

Dans sa première saison à la charge exclusive, Bernstein a inclus une enquête d'une saison sur la musique classique américaine. La programmation thématique de ce genre était assez nouvelle à l'époque par rapport à aujourd'hui. Bernstein a occupé le poste de directeur musical jusqu'en 1969 (avec un congé sabbatique en 1965) bien qu'il ait continué à diriger et à faire des enregistrements avec l'orchestre pour le reste de sa vie et a été nommé «chef d'orchestre lauréat».

Il est devenu une figure bien connue aux États-Unis grâce à sa série de 1961 concerts télévisés pour les jeunes pour CBS, qui sont issus de ses programmes Omnibus. Son premier concert des jeunes a été télévisé quelques semaines après le début de son mandat en tant que chef principal du New York Philharmonic. Il est devenu aussi célèbre pour son travail éducatif dans ces concerts que pour sa direction. Les Concerts des Jeunes de Bernstein ont été la première et probablement la série la plus influente de programmes d'appréciation de la musique jamais produits à la télévision, et ils ont été très acclamés par la critique. Certaines des conférences musicales de Bernstein ont été publiées sur disques; un enregistrement de Humour in Music a reçu un Grammy Award du meilleur documentaire ou de l'enregistrement de mots parlés (autre que la comédie) en 2013. Les programmes ont été diffusés dans de nombreux pays à travers le monde, souvent avec Bernstein doublé dans d'autres langues. Tous ont été diffusés sur DVD par Kultur Video (la moitié en XNUMX).

À l'époque où il a été nommé directeur musical de l'Orchestre philharmonique de New York, Bernstein a composé la musique de deux spectacles. Le premier était pour l'opérette Candide, qui a été exécutée pour la première fois en 1956 avec un livret de Lillian Hellman basé sur la nouvelle de Voltaire. Le second était la collaboration de Bernstein avec le chorégraphe Jerome Robbins, l'écrivain Arthur Laurents et le parolier Stephen Sondheim pour produire la comédie musicale West Side Story. Les trois premiers avaient travaillé dessus par intermittence depuis que Robbins avait suggéré l'idée pour la première fois en 1949. Enfin, avec l'ajout de Sondheim à l'équipe et une période d'efforts concentrés, il a reçu sa première à Broadway en 1957 et s'est depuis avéré être le plus populaire de Bernstein. et score durable.

En 1959, il emmène l'Orchestre philharmonique de New York en tournée en Europe et en Union soviétique, dont certaines parties ont été filmées par CBS Television. Un point culminant de la tournée a été l'interprétation par Bernstein de la Cinquième Symphonie de Dmitri Chostakovitch, en présence du compositeur, qui est monté sur scène à la fin pour féliciter Bernstein et les musiciens. En octobre, lorsque Bernstein et l'orchestre sont revenus aux États-Unis, ils ont enregistré la symphonie pour Columbia. Il l'enregistre une seconde fois avec l'orchestre en tournée au Japon en 1979. Bernstein semble s'être limité à diriger uniquement certaines symphonies de Chostakovitch, à savoir les numéros 1, 5, 6, 7, 9 et 14. Il a réalisé deux enregistrements. de la Symphonie de Leningrad de Chostakovitch, une avec le New York Philharmonic dans les années 1960 et une autre enregistrée en direct en 1988 avec le Chicago Symphony Orchestra (l'un des rares enregistrements qu'il a fait avec eux, y compris également la Symphonie n ° 1).

1960-1969

En 1960, Bernstein et le New York Philharmonic organisèrent un festival Mahler pour marquer le centenaire de la naissance du compositeur. Bernstein, Walter et Mitropoulos ont dirigé des performances. La veuve du compositeur, Alma, a assisté à certaines des répétitions de Bernstein. En 1960, Bernstein fit également son premier enregistrement commercial d'une symphonie de Mahler (le quatrième) et au cours des sept années suivantes, il réalisa le premier cycle complet d'enregistrements des neuf symphonies achevées de Mahler. (Tous ont présenté l'Orchestre philharmonique de New York, à l'exception de la 8e Symphonie qui a été enregistrée avec le London Symphony Orchestra après un concert au Royal Albert Hall de Londres en 1966.) Le succès de ces enregistrements, ainsi que les concerts et les conférences télévisées de Bernstein, a été un partie importante, sinon vitale, du regain d'intérêt pour Mahler dans les années 1960, en particulier aux États-Unis

Parmi les autres compositeurs non américains que Bernstein défendait dans une certaine mesure à l'époque, citons le compositeur danois Carl Nielsen (qui n'était alors que peu connu aux États-Unis) et Jean Sibelius, dont la popularité avait alors commencé à s'estomper. Bernstein a finalement enregistré un cycle complet à New York des symphonies de Sibelius et de trois symphonies de Nielsen (nos 2, 4 et 5), ainsi que des enregistrements de ses concertos pour violon, clarinette et flûte. Il a également enregistré la 3e symphonie de Nielsen avec le Royal Danish Orchestra après une performance publique acclamée par la critique au Danemark.

Bernstein a défendu les compositeurs américains, en particulier ceux dont il était proche comme Aaron Copland, William Schuman et David Diamond. Il a également commencé à enregistrer plus largement ses propres compositions pour Columbia Records. Cela comprenait ses trois symphonies, ses ballets et les danses symphoniques de West Side Story avec le New York Philharmonic. Il a également dirigé un album de sa comédie musicale On The Town de 1944, le premier enregistrement (presque) complet de l'original mettant en vedette plusieurs membres de la distribution originale de Broadway, dont Betty Comden et Adolph Green. (La version cinématographique de 1949 ne contient que quatre des numéros originaux de Bernstein.) Bernstein a également collaboré avec le pianiste et compositeur de jazz expérimental Dave Brubeck, aboutissant à l'enregistrement «Bernstein Plays Brubeck Plays Bernstein» (1961).

Lors d'un incident souvent rapporté, en avril 1962, Bernstein est apparu sur scène avant une représentation du Concerto pour piano n ° 1 de Brahms en ré mineur avec le pianiste Glenn Gould. Pendant les répétitions, Gould avait plaidé pour des tempi beaucoup plus larges que la normale, ce qui ne reflétait pas le concept de Bernstein de la musique. Bernstein a donné une brève allocution au public en commençant par «N'ayez pas peur; M. Gould est là… »et poursuit« Dans un concerto, qui est le chef (rires de l'assistance) - le soliste ou le chef d'orchestre? » (Le rire du public devient plus fort). La réponse est, bien sûr, parfois l’un et parfois l’autre, selon les personnes impliquées. » Ce discours a ensuite été interprété par Harold C. Schonberg, critique musical pour le New York Times, comme une abdication de responsabilité personnelle et une attaque contre Gould, dont la performance Schonberg a continué à critiquer vivement.

Bernstein a toujours nié que telle avait été son intention et a déclaré qu'il avait fait ces remarques avec la bénédiction de Gould. Dans le livre Dîner avec Lenny, publié en octobre 2013, l'auteur Jonathan Cott a fourni une démystification approfondie, selon les propres mots du chef d'orchestre, de la légende que Bernstein lui-même a décrite dans le livre comme «une… qui ne disparaîtra pas». Tout au long de sa vie, il a professé l'admiration et l'amitié pour Gould. Schonberg a souvent (mais pas toujours) sévèrement critiqué Bernstein en tant que chef d'orchestre pendant son mandat de directeur musical. Cependant, ses opinions n'étaient pas partagées par le public (avec de nombreux full house) et probablement pas par les musiciens eux-mêmes (qui avaient une plus grande sécurité financière découlant des nombreuses activités de télévision et d'enregistrement de Bernstein, entre autres).

En 1962, le New York Philharmonic a déménagé du Carnegie Hall au Philharmonic Hall (aujourd'hui David Geffen Hall) dans le nouveau Lincoln Center. Le déménagement n'a pas été sans controverse en raison de problèmes acoustiques avec la nouvelle salle. Bernstein a dirigé le concert d'ouverture de gala mettant en vedette des œuvres vocales de Mahler, Beethoven et Vaughan Williams, et la première de Connotations d'Aaron Copland, une œuvre en série qui n'a été que poliment reçue. Pendant l'entracte, Bernstein a embrassé la joue de la femme du président Jacqueline Kennedy, une rupture avec le protocole qui a été commentée à l'époque. En 1961, Bernstein avait dirigé le gala pré-inaugural du président John F. Kennedy, et il était un invité occasionnel à la Maison Blanche Kennedy. Il a également dirigé à la messe funèbre en 1968 pour le frère du défunt président Kennedy, Robert Kennedy.

En 1964, Bernstein dirige la production de Franco Zeffirelli du Falstaff de Verdi au Metropolitan Opera de New York. En 1966, il fait ses débuts à l'Opéra national de Vienne en dirigeant la production de Luchino Visconti du même opéra avec Dietrich Fischer-Dieskau comme Falstaff. Pendant son séjour à Vienne, il a également enregistré l'opéra pour Columbia Records et a dirigé son premier concert d'abonnement avec l'Orchestre philharmonique de Vienne (qui est composé de musiciens de l'Opéra d'État de Vienne) avec Das Lied von der Erde de Mahler avec Fischer-Dieskau et James King .

Il revient à l'Opéra d'État en 1968 pour une production de Der Rosenkavalier et en 1970 pour la production d'Otto Schenk de Fidelio de Beethoven. Seize ans plus tard, à l'Opéra d'État, Bernstein dirige sa suite de Trouble in Tahiti, A Quiet Place. avec l'orchestre ORF. Le dernier adieu de Bernstein à l'Opéra d'État s'est produit accidentellement en 1989: après une représentation de Khovanshchina de Modest Moussorgski, il est entré inopinément sur scène et a embrassé le chef d'orchestre. Claudio Abbado (1933-2014) devant un public enthousiaste.

Avec son engagement auprès du New York Philharmonic et ses nombreuses autres activités, Bernstein a eu peu de temps pour la composition dans les années 1960. Les deux œuvres majeures qu'il a produites à cette époque étaient sa Symphonie Kaddish dédiée au président récemment assassiné John F. Kennedy et les Psaumes de Chichester qu'il a produits pendant une année sabbatique qu'il a prise de l'Orchestre philharmonique en 1965 pour se concentrer sur la composition. Essayer d'avoir plus de temps pour la composition était probablement un facteur majeur dans sa décision de démissionner de son poste de directeur musical de l'Orchestre philharmonique en 1969, et de ne plus jamais accepter un tel poste nulle part.

1970-1979

Après avoir quitté l'Orchestre Philharmonique de New York, Bernstein a continué à apparaître avec eux la plupart des années jusqu'à sa mort, et il a tourné avec eux en Europe en 1976 et en Asie en 1979. Il a également renforcé ses relations avec l'Orchestre Philharmonique de Vienne - il a dirigé les neuf symphonies de Mahler ont terminé avec eux (plus l'adagio du 10e) dans la période de 1967 à 1976. Tous ont été filmés pour Unitel à l'exception du Mahler 1967nd de 2, qui à la place de Bernstein a filmé avec le London Symphony Orchestra à Ely Cathédrale en 1973. À la fin des années 1970, Bernstein a dirigé un cycle symphonique complet de Beethoven avec l'Orchestre philharmonique de Vienne, et des cycles de Brahms et Schumann devaient suivre dans les années 1980. Parmi les autres orchestres qu'il dirigea à de nombreuses reprises dans les années 1970, citons l'Israel Philharmonic, l'Orchestre National de France et le Boston Symphony Orchestra.

En 1970, Bernstein écrivit et raconta un programme de 200 minutes filmé sur place à Vienne et dans les environs pour célébrer le 1e anniversaire de Beethoven. Il comprenait des parties des répétitions et des performances de Bernstein pour la production Otto Schenk de Fidelio, Bernstein jouant le premier concerto pour piano et la neuvième symphonie avec l'Orchestre philharmonique de Vienne et le jeune Plácido Domingo parmi les solistes. Le programme a été diffusé pour la première fois en 1970 à la télévision autrichienne et britannique, puis sur CBS aux États-Unis la veille de Noël 1971. L'émission, initialement intitulée Beethoven's Birthday: A Celebration in Vienna, a remporté un Emmy et a été diffusée sur DVD en 2005. En l'été 1970, lors du Festival de Londres, il dirige la Messe de Requiem de Verdi dans la cathédrale Saint-Paul, avec le London Symphony Orchestra.

Comme beaucoup de ses amis et collègues, Bernstein avait été impliqué dans diverses causes et organisations de gauche depuis les années 1940. Il a été mis sur liste noire par le Département d'État américain et CBS au début des années 1950, mais contrairement à d'autres, sa carrière n'a pas été grandement affectée et il n'a jamais été obligé de témoigner devant le Comité des activités anti-américaines de la Chambre. 1970, en raison d'un rassemblement organisé dans son appartement de Manhattan le 14 janvier 1970. Bernstein et sa femme ont organisé l'événement afin de sensibiliser et de recueillir des fonds pour la défense de plusieurs membres du Black Panther Party contre diverses accusations. Le Times a d'abord couvert le rassemblement comme un élément de style de vie, mais a ensuite publié un éditorial très défavorable à Bernstein à la suite d'une réaction généralement négative à l'histoire largement médiatisée.

Cette réaction culmine en juin 1970 avec la parution de «Radical Chic: That Party at Lenny», un essai du satiriste Tom Wolfe en couverture du New York Magazine. L'article met en contraste le style de vie confortable des Bernstein dans l'un des plus chers du monde. quartiers avec la politique anti-établissement des Black Panthers. Cela a conduit à la vulgarisation du «chic radical» en tant que terme critique. Bernstein et son épouse Felicia ont répondu aux critiques, arguant qu'ils n'étaient pas motivés par un désir superficiel d'exprimer une sympathie à la mode mais par leur souci des libertés civiles.

Les principales compositions de Bernstein au cours des années 1970 étaient sa MASSE: une pièce de théâtre pour chanteurs, joueurs et danseurs; sa partition pour le ballet Dybbuk; son œuvre vocale orchestrale Songfest; et sa comédie musicale américaine du bicentenaire 1600 Pennsylvania Avenue écrite avec des paroles par Alan Jay Lerner qui était son premier véritable flop théâtral et son dernier spectacle original à Broadway. La première mondiale de la MASS de Bernstein a eu lieu le 8 septembre 1971. Commandé par Jacqueline Kennedy pour l'ouverture du John F. Kennedy Center for the Performing Arts à Washington, DC, il se voulait en partie une déclaration anti-guerre.

Écrite à la hâte par endroits, l'œuvre représentait une fusion non seulement de différentes traditions religieuses (liturgie latine, prière hébraïque et beaucoup de paroles anglaises contemporaines) mais aussi de différents styles musicaux, y compris la musique classique et rock. Il a été à l'origine une cible de critiques de la part de l'Église catholique romaine d'une part et des critiques de musique contemporaine qui se sont opposés à ses éléments Broadway / populistes d'autre part. De nos jours, il est peut-être considéré comme moins blasphématoire et plus comme un morceau de son époque: en 2000, il a même été joué au Vatican.

En 1972, Bernstein enregistre Carmen de Bizet, avec Marilyn Horne dans le rôle-titre et James McCracken dans le rôle de Don Jose, après avoir dirigé plusieurs représentations théâtrales de l'opéra au Metropolitan Opera. L'enregistrement a été l'un des premiers en stéréo à utiliser le dialogue parlé original entre les parties chantées de l'opéra, plutôt que les récitatifs musicaux composés par Ernest Guiraud après la mort de Bizet. L'enregistrement était le premier de Bernstein pour Deutsche Grammophon et a remporté un Grammy.

Bernstein a été nommé en 1973 à la chaire Charles Eliot Norton en tant que professeur de poésie à son alma mater, l'Université de Harvard, et a livré une série de six conférences télévisées sur la musique avec des exemples musicaux joués par le Boston Symphony Orchestra. Cependant, ces conférences n'ont été télévisées qu'en 1976. Prenant le titre d'une œuvre de Charles Ives, il a appelé la série The Unanswered Question; c'était un ensemble de conférences interdisciplinaires dans lesquelles il empruntait la terminologie de la linguistique contemporaine pour analyser et comparer la construction musicale au langage. Les conférences sont actuellement disponibles sous forme de livre et de DVD.

Le DVD vidéo n'a pas été tiré directement des conférences à Harvard, mais a été recréé à nouveau aux studios WGBH pour le tournage. Il semble que ce soit la seule série de conférences Norton qui subsiste à la disposition du grand public en format vidéo. Noam Chomsky a écrit en 2007 sur les forums Znet à propos des aspects linguistiques de la conférence: «J'ai passé du temps avec Bernstein pendant la préparation et l'exécution des conférences. Mon sentiment était qu'il était sur quelque chose, mais je ne pouvais pas vraiment juger à quel point c'était important.

Chevy Chase déclare dans sa biographie que Lorne Michaels voulait que Bernstein accueille Saturday Night Live dans la première saison de l'émission (1975–76). Chase était assis à côté de Bernstein lors d'une fête d'anniversaire pour Kurt Vonnegut et a fait la demande en personne. Cependant, le terrain impliquait une version SNL de West Side Story dirigée par Bernstein, et Bernstein n'était pas intéressé.

Une période majeure de bouleversement dans la vie personnelle de Bernstein a commencé en 1976 lorsqu'il a décidé qu'il ne pouvait plus cacher sa bisexualité et il a quitté sa femme Felicia pour une période à vivre avec le directeur musical de la station de radio de musique classique KKHI-FM à San Francisco. L'année suivante, on lui a diagnostiqué un cancer du poumon et finalement Bernstein est retourné vivre avec elle et s'est occupée d'elle jusqu'à sa mort le 16 juin 1978. Bernstein aurait souvent parlé de sa terrible culpabilité pour la mort de sa femme. La plupart des biographies de Bernstein indiquent que son style de vie est devenu plus excessif et son comportement personnel parfois plus grossier après sa mort. Cependant, sa réputation publique et nombre de ses amitiés intimes semblent ne pas avoir été affectées et il a repris son programme chargé d'activités musicales.

En 1978, Bernstein est retourné à l'Opéra d'État de Vienne pour diriger une reprise de la production Otto Schenk de Fidelio, avec maintenant Gundula Janowitz et Rene Kollo dans les rôles principaux. Dans le même temps, Bernstein a réalisé un enregistrement en studio de l'opéra pour Deutsche Grammophon et l'opéra lui-même a été filmé par Unitel et sorti sur DVD par Deutsche Grammophon à la fin de 2006. En mai 1978, l'Israel Philharmonic a donné deux concerts aux États-Unis sous sa direction pour célébrez le 30e anniversaire de la fondation de l'Orchestre sous ce nom. Lors de soirées consécutives, l'Orchestre, avec la Choral Arts Society of Washington, a interprété la Neuvième Symphonie de Beethoven et les Chichester Psalms de Bernstein au Kennedy Center à Washington, DC, et au Carnegie Hall à New York.

En 1979, Bernstein a dirigé pour la première fois l'Orchestre philharmonique de Berlin, lors de deux concerts de charité pour Amnesty International comprenant des représentations de la neuvième symphonie de Mahler. L'invitation aux concerts était venue de l'orchestre et non de son chef principal Herbert von Karajan. Il y a eu des spéculations sur les raisons pour lesquelles Karajan n'a jamais invité Bernstein à diriger son orchestre. (Karajan a dirigé l'Orchestre philharmonique de New York pendant le mandat de Bernstein.) Les raisons complètes ne seront probablement jamais connues - les rapports suggèrent qu'ils étaient en termes amicaux lorsqu'ils se sont rencontrés, mais qu'ils pratiquaient parfois un peu de surenchère mutuelle.

L'un des concerts a été diffusé à la radio et diffusé à titre posthume sur CD par Deutsche Grammophon. Une bizarrerie de l'enregistrement est que la section de trombones ne parvient pas à entrer au point culminant de la finale, à la suite d'un évanouissement d'un membre du public juste derrière les trombones quelques secondes plus tôt.

1980-1990

Bernstein a reçu le prix Kennedy Center Honors en 1980. Pendant le reste des années 1980, il a continué à diriger, enseigner, composer et produire occasionnellement un documentaire télévisé. Ses compositions les plus significatives de la décennie ont probablement été son opéra A Quiet Place, qu'il a écrit avec Stephen Wadsworth et qui a été créé (dans sa version originale) à Houston en 1983; son Divertimento pour orchestre; son Halil pour flûte et orchestre; son Concerto pour orchestre «Jubilee Games»; et son cycle de chansons Arias et Barcarolles, qui a été nommé d'après un commentaire que le président Dwight D. Eisenhower lui avait fait en 1960.

En 1982 aux États-Unis, PBS a diffusé une série de 11 épisodes de films de la fin des années 1970 de Bernstein pour Unitel de l'Orchestre philharmonique de Vienne jouant les neuf symphonies de Beethoven et diverses autres œuvres de Beethoven. Bernstein a donné une introduction orale et l'acteur Maximilian Schell a également figuré dans les programmes, lisant les lettres de Beethoven. Les films originaux ont depuis été publiés sur DVD par Deutsche Grammophon. En plus de diriger à New York, Vienne et Israël, Bernstein était un chef invité régulier d'autres orchestres dans les années 1980. Ceux-ci comprenaient le Royal Concertgebouw Orchestra à Amsterdam, avec lequel il a enregistré les première, quatrième et neuvième symphonies de Mahler, entre autres œuvres; l'orchestre symphonique de la radio bavaroise à Munich, avec lequel il a enregistré Tristan und Isolde de Wagner; Création de Haydn; Requiem et Grande Messe de Mozart en ut mineur; et l'orchestre de l'Accademia Nazionale di Santa Cecilia à Rome, avec qui il a enregistré la bohème de Debussy et Puccini.

En 1982, lui et Ernest Fleischmann ont fondé le Los Angeles Philharmonic Institute en tant qu'académie de formation d'été sur le modèle de Tanglewood. Bernstein a été directeur artistique et y a enseigné la direction jusqu'en 1984. À peu près à la même époque, il a interprété et enregistré certaines de ses propres œuvres avec le Los Angeles Philharmonic pour Deutsche Grammophon. Bernstein était également à l'époque un partisan engagé du désarmement nucléaire. En 1985, il a emmené l'Orchestre des jeunes de la Communauté européenne dans une tournée «Journey for Peace» à travers l'Europe et au Japon.

En 1985, il dirige un enregistrement de West Side Story, la première fois qu'il dirige l'ensemble de l'œuvre. L'enregistrement, mettant en vedette ce que certains critiques estimaient être des chanteurs d'opéra mal interprétés tels que Kiri Te Kanawa, José Carreras et Tatiana Troyanos dans les rôles principaux, était néanmoins un best-seller international. Un documentaire télévisé montrant la réalisation de l'enregistrement a été réalisé au même moment et est disponible sur DVD. Bernstein a également continué à réaliser ses propres documentaires télévisés dans les années 1980, notamment The Little Drummer Boy, dans lequel il discutait de la musique de Gustav Mahler, peut-être le compositeur qui l'intéressait le plus, et de The Love of Three Orchestras, dans lequel il discutait. son travail à New York, Vienne et Israël.

Dans ses dernières années, la vie et l'œuvre de Bernstein ont été célébrées dans le monde entier (comme depuis sa mort). L'Orchestre philharmonique d'Israël a célébré son implication avec eux lors de festivals en Israël et en Autriche en 1977. En 1986, l'Orchestre symphonique de Londres a monté un Festival Bernstein à Londres avec un concert que Bernstein lui-même a dirigé avec la reine. En 1988, le 70e anniversaire de Bernstein a été célébré par un somptueux gala télévisé à Tanglewood mettant en vedette de nombreux artistes qui avaient travaillé avec lui au fil des ans.

1987. Léonard Bernstein (1918-1990) et Jaap van Zweden (1960), maître de concert du Orchestre royal du Concertgebouw d'Amsterdam (RCO), Dans le Concertgebouw royal d'Amsterdam (octobre).

En décembre 1989, Bernstein dirige des performances live et enregistre en studio son opérette Candide avec le London Symphony Orchestra. L'enregistrement mettait en vedette Jerry Hadley, June Anderson, Adolph Green et Christa Ludwig dans les rôles principaux. L'utilisation de chanteurs d'opéra dans certains rôles correspondait peut-être mieux au style d'opérette que certains critiques ne l'avaient pensé pour West Side Story, et l'enregistrement (sorti à titre posthume en 1991) a été universellement salué. L'un des concerts live du Barbican Centre de Londres est disponible sur DVD. Candide avait eu une histoire troublée, avec de nombreuses réécritures et écrivains impliqués. Le concert et l'enregistrement de Bernstein étaient basés sur une version «finale» qui avait été interprétée pour la première fois par le Scottish Opera en 1988. La soirée d'ouverture (à laquelle Bernstein a assisté à Glasgow) était dirigée par l'ancien élève de Bernstein, John Mauceri.

Le 25 décembre 1989, Bernstein dirigeait la Symphonie n ° 9 de Beethoven au Schauspielhaus de Berlin-Est dans le cadre d'une célébration de la chute du mur de Berlin. Il avait mené le même travail à Berlin-Ouest la veille. Le concert a été diffusé en direct dans plus de vingt pays à un public estimé à 100 millions de personnes. Pour l'occasion, Bernstein a reformulé le texte de Friedrich Schiller de l'Ode à la joie, en remplaçant le mot Freiheit (liberté) par Freude (joie). Bernstein, dans son introduction orale, a déclaré qu'ils avaient «pris la liberté» de le faire à cause d'une histoire «très probablement bidon», apparemment crue dans certains milieux, selon laquelle Schiller avait écrit une «Ode à la liberté» qui est maintenant présumée perdue. Bernstein a ajouté: «Je suis sûr que Beethoven nous aurait donné sa bénédiction.»

À l'été 1990, Bernstein et Michael Tilson Thomas ont fondé le Pacific Music Festival à Sapporo, au Japon. Comme son activité précédente à Los Angeles, il s'agissait d'une école de formation d'été pour musiciens sur le modèle de Tanglewood, et existe toujours. Bernstein souffrait déjà à cette époque d'une maladie pulmonaire qui entraînerait sa mort. Dans son discours d'ouverture, Bernstein a déclaré qu'il avait décidé de consacrer le temps qu'il lui restait à l'éducation. Une vidéo montrant Bernstein parlant et répétant au premier Festival est disponible sur DVD au Japon.

En 1990, Leonard Bernstein a reçu le Praemium Imperiale, un prix international décerné par l'Association japonaise des arts pour l'œuvre de toute une vie dans le domaine des arts. Bernstein a utilisé le prix de 100,000 1992 $ pour créer le Bernstein Education Through the Arts (BETA) Fund, Inc. Leonard Bernstein a fourni cette subvention pour développer un programme d'éducation artistique. Le Leonard Bernstein Center a été créé en avril XNUMX et a lancé des recherches approfondies en milieu scolaire, aboutissant au modèle Bernstein, le programme d'apprentissage artistique Leonard Bernstein.

Bernstein a fait sa dernière performance en tant que chef d'orchestre à Tanglewood le 19 août 1990, avec le Boston Symphony jouant «Four Sea Interludes» de Benjamin Britten de Peter Grimes et la Septième Symphonie de Beethoven. Il a souffert d'une quinte de toux pendant le troisième mouvement de la symphonie de Beethoven, mais le maestro a continué à diriger la pièce jusqu'à sa conclusion, quittant la scène pendant l'ovation, paraissant épuisé et dans la douleur. Le concert a ensuite été publié sur CD sous le titre «Leonard Bernstein - The Final Concert» par Deutsche Grammophon (numéro de catalogue 431 768).

Il a annoncé sa retraite de la direction d'orchestre le 9 octobre 1990 et est décédé d'une crise cardiaque cinq jours plus tard. Il avait 72 ans. Fumeur de longue date, il avait lutté contre l'emphysème à partir de la cinquantaine. Le jour de son cortège funèbre dans les rues de Manhattan, les ouvriers du bâtiment ont enlevé leurs chapeaux et ont agité en criant «Au revoir, Lenny». Bernstein est enterré au cimetière Green-Wood, Brooklyn, New York, à côté de sa femme et avec une copie de MahlerLe cinquième couché sur son cœur.

Activisme social

Si Bernstein était très connu pour ses compositions musicales et sa direction, il était également connu pour ses opinions politiques franches et son fort désir de faire avancer le changement social. Ses premières aspirations au changement social se sont manifestées dans sa production (en tant qu'étudiant) d'un opéra récemment interdit, The Cradle Will Rock, de Marc Blitzstein, sur la disparité entre la classe ouvrière et la classe supérieure. Son premier opéra, Trouble in Tahiti, a été dédié à Blitzstein et a un thème social fort, critiquant en particulier la civilisation américaine et la vie de la classe supérieure des banlieues. Au cours de sa carrière, Bernstein continuerait à se battre pour tout, des influences de la «musique américaine» au désarmement des armes nucléaires occidentales.

Bernstein a été nommé dans le livre Red Channels: The Report of Communist Influence in Radio and Television as a Communist avec Aaron Copland, Lena Horne, Pete Seeger, Artie Shaw et d'autres personnalités éminentes des arts du spectacle. Red Channels a été publié par le journal de droite Counterattack et édité par Vincent Hartnett, qui a par la suite été reconnu pour avoir diffamé et diffamé la célèbre personnalité de la radio John Henry Faulk.

Philanthropie

Parmi les nombreux prix que Bernstein a remportés tout au long de sa vie, l'un lui a permis de concrétiser l'un de ses rêves philanthropiques. Il souhaitait depuis longtemps développer une école internationale pour favoriser l'intégration des arts dans l'éducation. Lorsqu'il a remporté le prix de l'Association des arts du Japon pour l'ensemble de ses réalisations, il a utilisé les 100,000 $ qui accompagnaient le prix pour construire une telle école à Nashville, qui s'efforcerait d'enseigner aux enseignants comment mieux intégrer la musique, la danse et le théâtre dans le système scolaire. «ne fonctionnait pas». Malheureusement, l'école n'a pu ouvrir que peu de temps après la mort de Bernstein.

Dans une interview accordée à Rolling Stone en 1990, Bernstein a décrit sa conception d'une école appelée The Academy for the Love of Learning.

Un ami musicien nommé Aaron Stern et moi-même avons conçu une institution appelée l'Académie pour l'amour d'apprendre. Nous n'avons pas encore fait trop avec l'idée, mais elle est enregistrée en tant que société à but non lucratif, et en plus des tentatives évidentes de réunir la musique et les enfants, il y aura l'objectif primordial d'apprendre aux enseignants à découvrir leur propre amour de l'apprentissage.

L'Académie pour l'amour de l'apprentissage a été achevée en 1998 et est située à Santa Fe, au Nouveau-Mexique, où elle continue d'explorer le rêve de Bernstein des arts intégrés dans l'éducation en offrant des cours d'apprentissage transformationnel.

Apprentissage artistique

Artful Learning est basé sur la philosophie de Bernstein selon laquelle les arts peuvent renforcer l'apprentissage et être incorporés dans toutes les matières académiques. Le programme est basé sur des «unités d'étude», qui se composent chacune de quatre éléments de base: l'expérience, la recherche, la création et la réflexion. Après deux décennies de recherche et de mise en œuvre à travers les États-Unis, les écoles d'apprentissage artistique démontrent que les unités d'étude qui utilisent la rigueur, la complexité cognitive et une compréhension approfondie grâce à un engagement envers un apprentissage collaboratif et indépendant démontrent des niveaux élevés d'engagement des élèves et de réussite scolaire.

Influence et caractéristiques en tant que conducteur

Bernstein était l'une des figures majeures de la direction d'orchestre de la seconde moitié du XXe siècle. Il était tenu en haute estime parmi de nombreux musiciens, y compris les membres de l'Orchestre philharmonique de Vienne, comme en témoigne sa qualité de membre honoraire; le London Symphony Orchestra, dont il était président; et l'Orchestre philharmonique d'Israël, avec lequel il se produit régulièrement en tant que chef invité. Il était probablement le principal chef d'orchestre à partir des années 20 qui a acquis une sorte de statut de superstar similaire à celui d'Herbert von Karajan, bien qu'à la différence de Karajan il dirigeait relativement peu d'opéra et qu'une partie de la renommée de Bernstein reposait sur son rôle de compositeur. En tant que premier directeur musical né aux États-Unis de l'Orchestre philharmonique de New York, son ascension a été un facteur pour surmonter la perception de l'époque que les meilleurs chefs d'orchestre étaient nécessairement formés en Europe.

La direction de Bernstein était caractérisée par des émotions extrêmes avec le pouls rythmique de la musique transmis visuellement à travers sa manière de podium ballétique. Les musiciens rapportaient souvent que ses manières en répétition étaient les mêmes qu'en concert. En vieillissant, ses performances ont tendance à se superposer dans une plus grande mesure à une expressivité personnelle qui divise souvent l'opinion critique. Des exemples extrêmes de ce style peuvent être trouvés dans ses enregistrements Deutsche Grammophon de Nimrod from Elgar's Enigma Variations (1982), la fin de la 9e symphonie de Mahler (1985) et la finale de la Pathetique Symphony de Tchaïkovski (1986), où dans chaque cas les tempos sont bien en dessous de ceux généralement choisis.

Bernstein a interprété un large répertoire de l'époque baroque au 20e siècle, même si peut-être à partir des années 1970, il a eu tendance à se concentrer davantage sur la musique de l'époque romantique. Il était considéré comme particulièrement accompli avec les œuvres de Gustav Mahler et avec les compositeurs américains en général, dont George Gershwin, Aaron Copland, Charles Ives, Roy Harris, William Schuman et bien sûr lui-même. Certains de ses enregistrements d'œuvres de ces compositeurs figureraient probablement sur les listes d'enregistrements recommandés par de nombreux critiques musicaux. Une liste de ses autres enregistrements bien pensés comprendrait probablement des œuvres individuelles de Haydn, Beethoven, Berlioz, Schumann, Liszt, Nielsen, Sibelius, Stravinsky, Hindemith et Shostakovich, entre autres.

Ses enregistrements de Rhapsody in Blue (version pour orchestre complet) et An American in Paris pour Columbia Records, sortis en 1959, sont considérés comme définitifs par beaucoup, bien que Bernstein ait légèrement coupé la Rhapsody, et son approche plus `` symphonique '' avec des tempi plus lents est assez loin de la propre conception de Gershwin de la pièce, évidente à partir de ses deux enregistrements. (Oscar Levant, Earl Wild et d'autres se rapprochent du style de Gershwin.) Bernstein n'a jamais dirigé le Concerto pour piano en fa de Gershwin, ni plus que quelques extraits de Porgy and Bess, bien qu'il ait discuté de ce dernier dans son article Why Don't You Run Upstairs and Write a Nice Gershwin Tune?, Initialement publié dans le New York Times et réimprimé plus tard dans son livre de 1959 The Joy of Music.

En plus d'être un chef d'orchestre actif, Bernstein était un professeur influent de direction. Au cours de ses nombreuses années d'enseignement à Tanglewood et ailleurs, il a directement enseigné ou encadré de nombreux chefs d'orchestre qui se produisent actuellement, notamment John Mauceri, Marin Alsop, Herbert Blomstedt, Edo de Waart, Alexander Frey, Paavo Järvi, Eiji Oue, Maurice Peress, Seiji Ozawa (qui a fait ses débuts à la télévision américaine en tant que chef invité sur l'un des concerts pour les jeunes), Carl St.Clair, Helmuth Rilling, Michael Tilson Thomas et Jaap van Zweden. Il a également sans aucun doute influencé les choix de carrière de nombreux musiciens américains qui ont grandi en regardant ses programmes télévisés dans les années 1950 et 60.

Recordings

Bernstein a beaucoup enregistré du milieu des années 1940 jusqu'à quelques mois avant sa mort. Mis à part ces enregistrements des années 1940, qui ont été faits pour RCA Victor, Bernstein a enregistré principalement pour Columbia Masterworks Records, en particulier lorsqu'il était directeur musical de l'Orchestre philharmonique de New York entre 1958 et 1971. Son modèle d'enregistrement typique à cette époque était d'enregistrer des enregistrements majeurs. œuvres en studio immédiatement après avoir été présentées aux concerts d'abonnement de l'orchestre ou à l'un des concerts des jeunes, le temps libre étant consacré à l'enregistrement de courtes pièces d'orchestre et d'œuvres similaires. Beaucoup de ces performances ont été remasterisées et rééditées numériquement par Sony dans le cadre de leur série de 100 volumes, 125 CD «Royal Edition» et leur série ultérieure «Bernstein Century». En 2010, beaucoup de ces enregistrements ont été reconditionnés dans un 60 CD «Bernstein Symphony Edition».

Ses enregistrements ultérieurs (à commencer par Carmen de Bizet en 1972) ont été principalement réalisés pour Deutsche Grammophon, bien qu'il revienne occasionnellement au label Columbia Masterworks. Les exceptions notables incluent les enregistrements du Chant de la Terre de Gustav Mahler et le 15e concerto pour piano de Mozart et la symphonie «Linz» avec l'Orchestre philharmonique de Vienne pour Decca Records (1966); La Symphonie fantastique de Berlioz et Harold en Italie (1976) pour EMI; et Tristan und Isolde de Wagner (1981) pour Philips Records, un label qui, comme Deutsche Grammophon, faisait alors partie de PolyGram. Contrairement à ses enregistrements en studio pour Columbia Masterworks, la plupart de ses enregistrements ultérieurs de Deutsche Grammophon ont été tirés de concerts en direct (ou édités ensemble à partir de plusieurs concerts avec des sessions supplémentaires pour corriger les erreurs). Beaucoup reproduisent le répertoire qu'il a enregistré dans les années 1950 et 60.

En plus de ses enregistrements audio, de nombreux concerts de Bernstein à partir des années 1970 ont été enregistrés sur film cinématographique par la société cinématographique allemande Unitel. Cela comprenait un cycle complet des symphonies de Mahler (avec le Vienna Philharmonic et le London Symphony Orchestra), ainsi que des cycles complets des symphonies de Beethoven, Brahms et Schumann enregistrés lors de la même série de concerts que les enregistrements audio de Deutsche Grammophon. Beaucoup de ces films sont apparus sur Laserdisc et sont maintenant sur DVD.

Au total, Bernstein a reçu 16 Grammys pour ses enregistrements dans diverses catégories, dont plusieurs pour des enregistrements posthumes. Il a également reçu un Grammy Award pour l'ensemble de sa carrière en 1985.

Influence et caractéristiques en tant que compositeur

Bernstein était un compositeur éclectique dont la musique fusionnait des éléments du jazz, de la musique juive, de la musique de théâtre et du travail de compositeurs antérieurs comme Aaron Copland, Igor Stravinsky, Darius Milhaud, George Gershwin et Marc Blitzstein. Certaines de ses œuvres, en particulier sa partition pour West Side Story, ont contribué à combler le fossé entre la musique classique et la musique populaire. Sa musique était enracinée dans la tonalité, mais dans certaines œuvres comme sa Symphonie de Kaddish et l'opéra A Quiet Place, il a mélangé des éléments à 12 tons. Bernstein lui-même a déclaré que sa motivation principale pour la composition était de «communiquer» et que toutes ses pièces, y compris ses symphonies et ses œuvres de concert, «pouvaient en un sens être considérées comme des pièces de« théâtre ».» Selon la Ligue des orchestres américains, il était le deuxième compositeur américain le plus joué par les orchestres américains en 2008-9 derrière Copland, et il était le 16e compositeur le plus fréquemment interprété par les orchestres américains. (Certaines performances étaient probablement dues au 90e anniversaire de sa naissance en 2008.)

Ses pièces les plus populaires étaient l'ouverture à Candide, les danses symphoniques de West Side Story, la sérénade pour violon, cordes, harpe et percussions et les trois épisodes de danse de On the Town. Ses spectacles West Side Story, On the Town, Wonderful Town et Candide sont régulièrement présentés, et ses symphonies et ses concerts sont programmés de temps en temps par des orchestres du monde entier. Depuis sa mort, plusieurs de ses œuvres ont été enregistrées commercialement par des artistes autres que lui. La Serenade, qui a été enregistrée plus de 10 fois, est probablement son œuvre la plus enregistrée non tirée d'une véritable pièce de théâtre.

Malgré le fait qu'il ait été un succès populaire en tant que compositeur, Bernstein lui-même aurait été désillusionné par le fait que certaines de ses œuvres les plus sérieuses n'étaient pas mieux notées par la critique et que lui-même n'avait pas été en mesure de consacrer plus de temps à la composition. en raison de sa direction et d’autres activités. La critique professionnelle de la musique de Bernstein implique souvent de discuter de la mesure dans laquelle il a créé quelque chose de nouveau en tant qu'art plutôt que simplement d'emprunter et de fusionner habilement des éléments des autres.

À la fin des années 1960, Bernstein lui-même réfléchit que son éclectisme était en partie dû à son manque de longues périodes consacrées à la composition, et qu'il cherchait toujours à enrichir son propre langage musical personnel à la manière des grands compositeurs du passé, tous dont avaient emprunté des éléments à d’autres. Peut-être que la critique la plus sévère qu'il a reçue de certains critiques de son vivant était dirigée contre des œuvres comme sa Symphonie Kaddish, sa MASS et l'opéra A Quiet Place, où ils ont trouvé le message sous-jacent de la pièce ou du texte comme légèrement embarrassant, cliché ou offensive. Malgré cela, toutes ces pièces ont été interprétées, discutées et reconsidérées depuis sa mort.

Les œuvres de Bernstein ont été présentées à plusieurs reprises pour le Pape Jean-Paul II, notamment à la Journée mondiale de la jeunesse à Denver le 14 août 1993 (extraits de «MASS»), et au concert papal pour commémorer la Shoah le 7 avril 1994, avec le Royal Orchestre philharmonique («Chichester Psalms» et Symphonie n ° 3, «Kaddish», extrait) dans la Sala Nervi du Vatican. Les deux performances ont été dirigées par Gilbert Levine.

Bien qu'il ait enseigné la direction d'orchestre, Bernstein n'était pas un professeur de composition en tant que tel et il n'a pas d'héritiers directs de composition. Les plus proches sont peut-être des compositeurs comme John Adams, qui, à partir des années 1970, ont indirectement adopté des éléments de son style éclectique et théâtral.

Accès

Ballet

Fantaisie gratuit, 1944
Fac-similé - Essai chorégraphique pour orchestre, 1946
Dibouk (ballet), 1974

Opera

Trouble à Tahiti, 1952
Candide, 1956 (nouveau livret en 1973, version finale révisée de l'opérette en 1989)
A Quiet Place, 1983, révisé en 1986

Musicals

Sur la ville, 1944
Ville merveilleuse, 1953
Histoire de West Side, 1957
La course à Urga (incomplète), 1969
«Par Bernstein» (une Revue), 1975
1600, avenue de Pennsylvanie, 1976
«Une fête avec Betty Comden et Adolph Green», 1977
La folle de Central Park West, (contribué à) 1979

Musique accessoire et autre théâtre

Peter Pan, 1950
L'alouette, 1955
Le premier-né, 1958
Messe (pièce de théâtre pour chanteurs, joueurs et danseurs), 1971
«Côte à côte à Sondheim» * 1976

Partitions de films

On the Town, 1949 (seule une partie de sa musique a été utilisée)
Au bord de l'eau, 1954
Histoire de West Side, 1961

Orchestral

Symphonie n ° 1, Jérémie, 1942
Fancy Free et Three Dance Variations from «Fancy Free», première du concert en 1946
Trois épisodes de danse de «On the Town», première du concert en 1947
Symphonie n ° 2, The Age of Anxiety, (d'après WH Auden) pour piano et orchestre, 1949 (révisée en 1965)
Sérénade pour violon solo, cordes, harpe et percussions (d'après le «Symposium» de Platon), 1954
Prélude, fugue et riffs pour clarinette solo et ensemble de jazz, 1949
Suite symphonique de «On the Waterfront», 1955
Danses symphoniques de «West Side Story», 1961
Symphonie n ° 3, Kaddish, pour orchestre, choeur mixte, chœur de garçons, orateur et soprano solo, 1963 (révisée en 1977)
Dybbuk, Suites n ° 1 et 2 pour orchestre, premières en 1975
Songfest: un cycle de poèmes américains pour Singers Six et orchestre, 1977
Trois méditations de la «messe» pour violoncelle et orchestre, 1977
Slava! Une ouverture politique pour orchestre, 1977
Divertimento pour orchestre, 1980
Halil, nocturne pour flûte solo, piccolo, flûte alto, percussions, harpe et cordes, 1981
Concerto pour orchestre, 1989 (à l'origine Jubilee Games de 1986, révisé en 1989)

Choral

Hashkiveinu for Cantor (ténor), Choeur mixte et orgue, 1945
Missa Brevis pour chœur mixte et contre-ténor solo, avec percussions, 1988
Chichester Psalms for Boy Soprano (or Countertenor), Mixed Chorus, and Orchestra, 1965 (version réduite pour orgue, harpe et percussions)

Musique de chambre

Trio avec piano, 1937, Boosey & Hawkes
Sonate pour clarinette et piano, 1942
Musique de cuivres, 1959
Suite de danse, 1988
Variations sur une échelle octatonique pour flûte à bec et violoncelle, 1988

Musique vocale

Je déteste la musique: un cycle de cinq chansons pour enfants pour soprano et piano, 1943
Big Stuff, chanté par Billie Holiday
La Bonne Cuisine: quatre recettes pour voix et piano, 1948
Silhouette (Galilée), 1951
Deux chansons d'amour, 1960
Si jolie, 1968
Piccola Serenata, 1979
Arias et Barcarolles pour mezzo-soprano, baryton et piano à quatre mains, 1988

Musique pour piano

Musique pour deux pianos, 1937
Sonate pour piano, 1938
7 anniversaires, 1944
4 anniversaires, 1948
5 anniversaires, 1952
Suite nuptiale, 1960
Moby Diptych, 1981 (republié sous les anniversaires nos 1 et 2 in Thirteen Anniversaries)
Touches, 1981
13 anniversaires, 1988

Autre musique

Autres œuvres occasionnelles, écrites comme cadeaux et autres formes de mémoire et d'hommage
«La peau de nos dents»: une œuvre avortée dont Bernstein a pris du matériel pour l'utiliser dans ses «Psaumes de Chichester»
«Simhu Na» (arrangement de chanson traditionnelle)
«Valse pour Mippy III» pour Tuba et Piano
«Elegy for Mippy II» pour trombone seul
«Elegy for Mippy I» pour cor et piano
«Rondo for Lifey» pour trompette et piano
«Fanfare for Bima» pour quatuor de cuivres: composé en 1947 en hommage à Koussevitzky en utilisant la mélodie qu'il siffla pour appeler son cocker spaniel
«Shivaree: A Fanfare» pour Double Ensemble de Cuivres et Percussions. 1970. Commandé par et dédié au Metropolitan Museum of Art de New York en l'honneur de son centenaire. Matériel musical utilisé plus tard dans la «Messe».
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